Objectivas fixas e de zoom.
Existem vários tipos de lentes, mas geralmente só falamos de dois tipos:
-
lentes fixas
-
lentes de zoom
Então irão dizer, que existem mais tipos de lentes….
Se repararmos todos os outros tipos englobam-se nas lentes fixas ou de zoom mas sbore isso já iremos falar mais à frente.
Ora, as lentes fixas só têm uma determinada distância, isto é, que não dá para fazer zoom da imagem para mais perto ou mais longe.
As Lentes de zoom são as lentes onde podemos fazer zoom dos objectos, tirando assim fotografias mais perto ou mais longe sem termos que nos deslocar. Para nós amadores, estas são as nossas preferidas pois muitas destas lentes podem servir para vários propósitos, o que nos fica mais “barato” porque compramos uma lente com várias funções. Isto não quer dizer que estas lentes são melhores que as lentes fixas, não necessitamos de arranjar várias lentes para vários tipos de fotografia. As lentes fixas são mais precisas para determinados trabalhos como retratos e alguns tipos de macro. Quando falo em precisas quero dizer que são mesmo dotadas para esses trabalhos o que só por isso são melhores que as de zoom que dão para quase tudo mas não têm nenhum forte.
Em qualquer dos casos podem ser lentes para macro, e existem para todos as as distancias, geralmente podem atingir aberturas muito grandes. Uma das particularidades é o facto de poderem focar a curtas distâncias para obtermos objectos muito pequenos a “encher” a fotografia.
Ou lentes grande angulares, usando outro nome para as lentes “lentes olho de peixe” como alguns chamam, isto porque a lente que fica de de fora parece quase metade de uma bola, o objectivo destas lentes é “apanhar” o maior ângulo possível de uma imagem, é por essa razão que se fala dos olhos de peixe pois também sobressaem e têm um grande ângulo de visão. Muitas destas lentes chegam a capturar ângulos de 180º.
Ora voltando um pouco ao titulo da nossa conversa, qualquer lente mesmo que sejam de marcas diferentes com as mesmas características no papel, podem produzir efeitos diferentes…. Isto para as máquinas SLR, para as máquinas normais de lente única torna-se mais fácil de conhecer as suas virtudes e defeitos…. Pois porque nas SLR é mesmo diferente de lente para lente, não julguem que se comprarem outra lente que produzem a imagem da mesma forma….
Ora vamos lá ver se compreendemos um pouco as nossas lentes….
Nas máquinas fotográficas normais de lente única temos uma lente que serve para tudo, tanto fotografam bastante perto como em algumas dão zooms muito acima das lentes comuns das máquinas SLR.
Um dos efeitos que encontramos nas lentes de zoom especialmente nas lentes de zoom abaixo 30mm é o efeito arredondado dos lados das fotografias. Se repararmos quando tiramos uma foto com a lente a menos de 30mm reparamos que os objectos que se encontras junto ao “fim” da fotografia parecem terem ficado arredondados, dando à foto o chamado efeito barril.
Este efeito pode ser mau para fotografia panorâmica onde queremos fazer a “colagem” de fotografias, ora se os lados da fotografia ficam arredondados, a colagem tornasse mais difícil. Por exemplo encontro este efeito na minha lente 18-55mm da Canon e posso adiantar que este efeito é mais evidenciado aos 18mm e vai desaparecendo à medida que vou aproximando de mais ou menos 30mm.
Em outras lentes este efeito pode ser mais evidenciado e pode desaparecer a outras medidas. É por isso que devem conhecer as vossas lentes.
Esta fotografia foi tirada em Fátima a 21mm, como podem reparar o portão deveria aparecer exactamente quadrado em vez disso parece “abaulado” com todos os lados redondos.
Provavelmente se a fotografia tivesse sido tirada a a 30mm ou mais já não se notaria este efeito.
Outro dos efeitos é o facto de podermos tirar a mesma foto de distâncias completamente diferentes e obter resultados interessantes.
Se repararmos as duas fotografias têm diferenças de perspectiva, e isto devido à mesma lente de zoom. Ambas as fotografias foram tiradas com uma lente de zoom 70-300mm da Sigma. Ora descubra as diferenças…
A fotografia da esquerda foi tirada a 70mm e se repararmos no relvado e principalmente nos prédio por detrás reparamos que parecem mais longe. Na da direita tentei tirar mais ou menos a primeira árvore da mesma maneira como a da fotografia da esquerda a única diferença é que foi tirada a 190mm. Reparamos que na da direira os prédios parecem estar mais próximos e a perspectiva do relvado é diferente.
Mais uma dica a não esquecer: quanto mais zoom usarmos mais curta vai parecer a distância entre os objectos e o fundo.
DIY – Fotografar um motivo com iluminação de um plano inferior.
1º – Preparando a caixa
Com uma caixa retangular, coloque-a ao alto e faça uma abertura numa lateral da caixa.
Exactamente como mostra a figura acima!!
2º – Preparando o suporte para o flash
Com uma caixa mais pequena, faça duas aberturas conforme vê na imagem em baixo, que irá servir de suporte ao flash.
No caso foi usado um flash de estúdio, mas pode ser usado qualquer tipo de flash ou até luz contínua, fria de preferência.
3º: Montando a base
Cubra a parte de trás da caixa com um veludo preto, para que a luz “esbata” um pouco e não incidir directamente no objecto a ser fotografado.
Agora coloque um vidro sobre a caixa, formando assim a mesa de ensaio. Lembre-se de limpar bem o vidro antes de fotografar.
Coloque por trás da nossa mesa de ensaio uma cartolina preta (ou pode igualmente utilizar veludo preto), que irá servir de fundo à fotografia
Depois de tudo pronto podemos testar como irá ficar (neste exemplo) uma garrafa fotografada, somente com a luz que vem de dentro da caixa.
Depois da luz acertada e caso não fique totalmente satisfeito com o resultado final (repare que se nota a borda do vidro no plano de fundo e que se perde todo o efeito pretentido), aconselha-se então igualmente, uma iluminação de ambos os lados do objecto. Obterá dessa maneira resultados finais mais satisfatórios e mais de acordo com o que se pretende como resultado final.
Eis o resultado final.
Making Of.
Formato RAW vs JPEG.
Um ficheiro RAW é:
• não é um arquivo de imagem em si (vai exigir um software especial para ler e converter para JPEG.
• tem típicamente um formato próprio (com a excepção do formato Adobe DNG que não é amplamente utilizado até ao momento).
• pelo menos 8 bits por cor – vermelho, verde e azul (12 bits por X, posição Y), embora a maioria das DSLRs de cor de 12 bits do registo (36 bits por posição).
• descomprimir (uma câmera de 12 megapixels irá produzir um arquivo RAW 12 MB).
• completo, dados do sensor da câmera.
• maior na faixa dinâmica – dynamic range (capacidade de apresentar destaques e sombras).
• menor contraste (mais achatada, deslavada ao olhar).
• não tão acentuada.
• não apropriado para a impressão diretamente da câmera ou sem pós-processamento.
• somente de leitura (todas as alterações são salvas num arquivo normalmente em formato JPEG).
• por vezes admissíveis em tribunal como prova (em contrário a um formato de imagem editável).
• espera para ser processado pelo computador.
Em comparação com JPEG é:
• um formato padrão lido por qualquer programa de imagem no mercado ou de código aberto.
• exatamente 8 bits por cor (12 bits por posição).
• bastante pequeno em tamanho de arquivo (uma câmera de 8 megapixels produzirá JPEG entre 1 e 3 MB no tamanho).
• menor na faixa dinâmica.
• maior contraste.
• mais nítidas.
• imediatamente adequados para compartilhamento, impressão ou publicação na web.
• não precisa de correção na maioria das vezes.
• capaz de ser manipulado, embora não sem perda de dados de cada vez que uma edição é feita – mesmo que seja apenas para girar a imagem.
• processado pela câmera.
Estas diferenças conduzem implicitamente a situações que exigem escolher um sobre o outro. Por exemplo, se você não tem muita capacidade para armazenar as imagens na câmera (cartão memória) e depois gravar em JPEG permitirá a captura de 2 ou 3 vezes mais o número que você pode fotografar em RAW. Esta também é uma boa ideia se você está numa festa ou nalgum outro evento, depois torna-se fácil compartilhar suas fotos rápido e fácilmente.
Por outro lado, se a capacidade do cartão não é um problema , você pode considerar a fotografar em RAW + JPEG, apenas para cobrir todas as possibilidades. Se você não puder ou não quiser fazer qualquer pós-processamento, então você simplesmente pode fotografar em JPEG. Tirar uma fotografia em RAW é apenas o primeiro passo na produção de uma imagem de qualidade pronto para impressão. Se, por outro lado, a qualidade é de extrema importância (como quando você está gravando profissionalmente), e você deseja obter todo o desempenho que a sua DSLR pode oferecer, então você deve fotografar em formato RAW.
Dito isto, há muitos fotógrafos especialmente amadores que não fotografam em RAW por duas razões:
1.) desconhecem a existência do formato RAW, ou
2) não querem perder tempo a editar depois as imagens e convertê-las para JPEG.
Fotografar em JPEG
Quando você fotografa em JPEG – software interno da câmera (muitas vezes chamado de “firmware” já que é parte do hardware dentro da sua câmera) irá tirar as informações do sensor e rápidamente processá-lo antes de salvá-lo. Alguma cor e resolução são perdidas em relação ao RAW (algumas câmeras apresentam mais ruído em JPEG do que em Raw).
O principal responsável neste processo é o Discrete Cosine Transforamtion (ou DCT), que divide a imagem em blocos (geralmente 8 × 8 pixels) e determina o que pode ser “seguro” e ser descartado, porque é menos perceptível (quanto maior a ração de compressão / JPEG de baixa qualidade, mais descartado é durante esta etapa). E quando a imagem é colocada em volta de um conjunto uma linha de 24 pixels, que tinha 24 tons diferentes podem ter agora só 4 ou 5. Essa informação será perdida definitivamente, sem os dados brutos do sensor registados num arquivo RAW.
Em RAW e em disparo contínuo, a sua DSLR poderá chegar a um certo ponto que pára de disparar. Devido ao tempo de armazenamento que um ficheiro RAW demora a ser gravado no cartão memória, enquanto que em JPEG essa situação práticamente nem se coloca.
Fotografar em RAW
Se você fotografar em Raw o seu computador ao contrário da câmera, irá processar os dados e gerar um arquivo de imagem. Para isso conforme já foi referido em cima, precisa de um editor que abra arquivos RAW.
Fotografar em Raw vai-lhe dar muito mais controle sobre a imagem e de poder de corrigir os erros que possa ter cometido quando você tirou a fotografia, como a exposição por exemplo.
Para aproveitar isso, vai precisar usar algum software no seu computador para processar os arquivos e converter para JPEG. Aconselho o Camera Raw que vem com o Adobe Photoshop CS5 por ser bastante bom em processamento de arquivos RAW, apesar de todos os fotógrafos terem um seu favorito (Adobe Lightroom é igualmente muito apreciado). Quando você carrega um arquivo RAW usando o Adobe Photoshop a caixa de diálogo Camera Raw irá aparecer automáticamente. Na maioria das vezes as configurações automáticas são bastante decentes, mas você tem a hipótese de mudar o equilíbrio de brancos, exposição, contraste, saturação e até mesmo de calibração dos vermelhos, verdes e azuis ou corrigir aberração da lente – tudo sem perdas.
Se o balanço de brancos não estiver correcto é muito mais fácil de corrigir usando o Camera Raw do que corrigir em JPEG e manipulando em RAW – o resultado final é muito melhor também. A riqueza de detalhes (nitidez), a gama de cores e capacidade de ajustar estas definições acabam tendo muito melhores resultados com um arquivo RAW.
Software para processar ficheiros RAW?
Follow @casper_rvEnvelhecer fotos no Photoshop.
Para quem gostar de envelhecer fotos, dar um estilo retro, ou conhecer a técnica de como fazer esse processamento no Photoshop, deixo aqui um video tutorial bem simples e fácil de perceber.
Follow @casper_rvFotografia panorâmica – Introdução e Video-Aula.
Fotografia panorâmica, assim como a palavra “panorama”, refere-se a uma vista inteira de uma área circunvizinha. As fotografias panorâmicas tentam capturar tal vista.
Não há nenhuma definição formal para o ponto em que “ângulo largo” termina e “panorâmica” começa, mas uma imagem verdadeiramente panorâmica deve capturar um campo de vista comparável (ou maior do que) a do olho humano, que é de 160° por 75°, e deve fazer assim ao manter os detalhes precisos através do retrato inteiro.
Atualmente, é possível fazer fotografias panorâmicas em qualquer proporção com o uso de câmera fotográfica comum e scanner, ou mesmo câmeras digitais. Há software especial para tal, capaz de combinar várias fotos numa única imagem, atingindo uma visão de até 360 graus.
Panorama fotográfico da parte sul de Manhattan, Nova Iorque, feita a partir de 12 fotografias.
Lentes
Qualquer câmera fotográfica pode ser utilizada para fazer panorâmicas. No entanto, as lentes mais indicadas são as grande angulares. Para 90º a 180º, melhores resultados podem ser obtidos com lentes de 28 mm. Por outro lado, imagens em 360º tornam-se mais fáceis com lentes de 8 mm. Lentes normais (50 mm) não obtém grande riqueza de detalhes nem qualidades, devendo, portanto, ser evitadas.
Acessórios
Na fotografia panorâmica, o uso de tripé é extremamente desejável, para facilitar a posterior composição das fotografias.
Enquadramento, composição e macrofotografia.
Após ter sido contactado por uma bloguer em que lhe suscitaram dúvidas em relação aos termos “enquadramento“, “composição” e “macro fotografia“. Quais as diferenças entre enquadramento e composição, e quando é que se pode considerar uma foto uma “macrofotografia“.
Na realidade em alguns sites de fotografia, vejo bastantes comentários em algumas fotos que recebem o tipo de comentário que “é uma bela macro”. Quando na verdade não passam na maior parte das vezes de um “close up” – exibição de uma imagem em plano aproximado e com destaque, sendo um tipo de zoom mas não com o detalhe de uma macrofotografia.
Vamos então por partes:
Enquadramento: Conforme a palavra indica é o “quadro” onde vamos incluir todos os elementos que compõem a imagem.
Seguindo regra geral e para termos uma foto equilibrada, a regra dos terços. Assim sendo, se tivermos todos os elementos que compõem a imagem bem distribuídos e que conferem um equilíbrio harmonioso ao olhar do observador, podemos dizer que a foto está “com um enquadramento perfeito”.
Seja criativo e aproveite para explorar ângulos diferentes e poder assim fazer um enquadramento de cena diferente do habitual.
Composição: São todos os elementos da imagem que compõem o enquadramento. Ou seja quando fotografamos algo, tentamos contar uma história ou passar uma mensagem mesmo que seja algo abstracto, será uma mensagem que o fotógrafo está a passar ao observador (afinal é esse o objectivo primordial da fotografia).
Para se conseguir tal efeito, há que ter em atenção à composição em si. Em como os elementos são distribuídos, o ambiente que se tenta transmitir e evidenciando para tal, o cenário, a luz, os detalhes, a colocação do motivo central na foto, e toda a envolvência que queremos transmitir.
Nesta conjunção toda de factores, é o que chamamos de composição da imagem/fotografia. De salientar mais uma vez a importância da regra dos terços para se criar uma boa composição.
Macrofografia: A fotografia Macro é a fotografia de pequenos seres e objectos ou detalhes que normalmente passam despercebidos no nosso dia-a-dia. São fotografados com o seu tamanho natural ou levemente aumentados através de aproximação da câmera ou fazendo uso de acessórios destinados a este tipo de fotografia. As macrofotografias são exibidas em tamanho bastante ampliado para causar um maior impacto visual.
Clássicamente, o campo da macrofotografia está delimitado pela captura de imagens em escala natural ou aumentada em até cerca de dez vezes do seu tamanho natural (entre 1:1 e 10:1 de ampliação). Muitas fotos são obtidas à distância, com o uso de teleobjetivas para captura da imagem, e nem por isso a foto capturada deixa de ser uma macrofotografia.
De relembrar uma vez mais que não se deve confundir uma fotografia macro com um “close up” – exibição de uma imagem em plano aproximado e com destaque, sendo um tipo de zoom mas não com o detalhe de uma macrofotografia.
Dicas para fotografar a preto e branco.
1 – Fotografar em *RAW
Poderá haver muitos fotógrafos que não podem fotografar em RAW porque não terão essa opção na sua câmera, ou porque podem simplesmente de não gostar de o fazer. Mas para um maior controle na fase de pós-produção para converter as suas fotos para preto e branco, você vai ter de fotografar em RAW se a sua câmera tiver essa opção.
Óbvio que você pode fotografar em JPEG e fotografar directamente a preto e branco, mas se tem RAW disponível não hesite e fotografe com esse formato, irá ficar impressionado com o que oferece no pós-produção.
2 – Fotografar a cores
Se não puder fotografar em RAW, então fotografe em JPEG a cores e faça mais tarde a conversão para preto e branco no seu programa de edição.
Enquanto a maioria das câmeras digitais oferecem a opção de fotografar a preto e branco (e podem produzir alguns resultados razoáveis), você tem mais controle sobre seus resultados finais, se tiver a sua foto a cores e trabalhar depois a sua conversão no seu computador.
3- Valores de ISO baixos
Fotografe com valores de ISO o mais baixo possível. Isso é algo que a maioria de nós faz em fotografia a cores, e é particularmente importante quando se trata de fotografar a preto e branco onde o ruído criado pela ISO se pode tornar ainda mais evidente. Se quiser mais tarde adicionar ruído/grão nas suas fotos, poderá fazê-lo no pós-produção. Enquanto o contrário, retirar o grão da foto original é uma tarefa bastante mais árdua e difícil de o fazer.
4 – Quando fotografar
Muitos fotógrafos preferem fotografar a preto e bran em dias em que a luz proporciona um baixo contraste. Então, um dia em que esteja encoberto pode ser excelente para fotografar no exterior.
Irónicamente, estes são aqueles dias em que os fotógrafos apenas fotografam a cores decidem ficar por casa a reclamae da “pouca ou fraca luz”.
Da próxima vez queestiver um dia escuro e sombrio, vá fazer algumas fotos a preto e branco e surpreenda-se com os resultados.
5 – Composição
A maioria das dicas gerais sobre como compor ou enquadrar uma boa foto aplica-se igualmente muito bem à fotografia a preto e branco (precisamente de como se faz quando se fotografa a cores), no entanto você precisa treinar-se para olhar para as formas, tons e texturas nos seus enquadramentos como pontos de interesse na fotografia a preto e branco. Preste especial atenção nas sombras e luzes que se tornará uma característica de sua foto.
*(Num dos próximos artigos, irei explicar qual a diferença entre um ficheiro RAW e JPEG. “Mea culpa” ainda não o ter publicado).
Técnicas para fotografar retratos.
Alguns dos melhores retratos possuem o olhar da pessoa com uma feição bem confortável, como se a câmera não estivesse lá. Geralmente, quando as pessoas tentam sorrir ou fazer alguma pose, ficam com um aspecto muito artificial.
O principal objetivo é capturar a essência da pessoa fotografada.
Alguns fotógrafos têm algumas técnicas para fazer isto. Uma boa ideia é captar uma foto no momento em que a pessoa está a sorrir para a câmera e outra logo após, quando a pessoa normalmente recupera a naturalidade. Um ambiente relaxado e divertido faz igualmente com que a pessoa a ser fotografada se sinta mais natural e “solta”, o que faz com que seja meio passo para uma boa foto.
Os três tipos gerais de retratos são: close-ups, fotos da parte superior do corpo e retratos que envolvem o meio (onde você foca tanto a pessoa bem como o ambiente que a rodeia.
Close-ups
Uma das coisas mais importantes na hora de retratar alguém, é a capacidade que temos para captar a expressão dessa pessoa, e os close-ups são a melhor opção. Normalmente enquadram-se os ombros e a cabeça. O erro mais comum cometido pelos fotógrafos é não estarem suficientemente próximos em relação aos assuntos, ou seja, nalguns casos significa que a pessoa fotografada fique muito afastada e deixe de ser o principal motivo de interesse da foto, e o impacto perde-se.
É muito importante que a luz incida num bom ângulo. Se você quiser acentuar as rugas ou pequenos detalhes, a luz deve ser lateral. Se quiser o contrário, pode tirar fotos em dias nublados, quando a luz é difusa, e por isso não há sombras.
Foto de solofotones
Foque sempre nos olhos
Os olhos de uma pessoa são o elemento chave de um retrato, e devem ser o motivo central (excepto em determinadas situações em que desejamos chamar a atenção de outras partes). Eles representam o foco de maior impacto visual.
Utilize o flash para corrigir falhas
Ao fotografar sob a luz do sol, é muito importante o uso do flash para preencher as regiões de sombra, principalmente no rosto. Esta simples técnica, chamada “flash de preenchimento“, pode salvar a imagem.
Fotos de crianças e animais
Evite tirar retratos de crianças e animais enquadrando-os de cima para baixo. Para fotografá-los, ponha-se de cócoras e fotografe com a câmera à altura dos seus olhos.
Parte superior do corpo
São um pouco menos pessoais que as close-ups, e serão talvez o tipo de fotos mais utilizado em retratos. São mais fáceis de obter resultados satisfatórios, principalmente porque a pessoa provávelmente se sentirá mais relaxada, e você pode incluir um pouco do fundo no enquadramento.
Foto de Samuel
Tenha em particular atenção o fundo
Tente utilizar fundos simples e que tenham um bom contraste em relação à pessoa. Evite fundos que contenham algo que possa distrair o observador. Utilize o diafragma o mais aberto possível, para que o fundo fique bem desfocado. Este conjunto de acções ajudam para que não haja distracções, e para que toda a atenção esteja em volta da pessoa.
Descentralize a pessoa do enquadramento
O enquadramento central também é um erro muito comum. Evite o máximo possível e descentralize a pessoa – em alguns casos, você pode colocá-la em um dos terços da foto – e procure colocar seus olhos próximos aos pontos de ouro (pontos determinados pela regra dos terços.
Varie a pose
Para a foto não ficar monótona e parecer mais natural, peça para a pessoa ir variando a sua posição, virando levemente o rosto ou movimentando o corpo.
Retratos que envolvem o meio
São retratos que nos introduz sobre a vida da pessoa, incluindo todo um cenário e nos mostra o que elas fazem ou gostam de fazer: o tipo de casa que vivem e como a decoram, o tipo de trabalho que fazem e onde o fazem, etc. São usualmente usadas por fotojornalistas.
Foto de striatic
Fotos espontâneas: sendo discreto
São o tipo de foto que as não sabem que estão a ser fotografadas, ou pelo menos que não estão posando para a câmera.
Você pode querer tirar fotos de pessoas nos seus locais de trabalho, como um vendedor ou um mercado. Nestes casos, você não deseja que ele pareça saber que está sendo fotografado. Muitas vezes as pessoas vêem o fotógrafoe desperta curiosidade mas ao fim de algum tempo começam a ignorar, pois têm de estar concentradas nos seus afazeres, o que torna a altura ideal para fotografar.
Se estiver usando alguma teleobjetiva, e está a alguma distância da pessoa, pode demorar um pouco para que ela repare em você . Você deve ser capaz de compor a sua imagem e obter a foto antes disso acontecer. Uma outra forma de ser discreto é estar no local por um tempo, suficiente para que as pessoas parem de prestar atenção em você.
Antecipar comportamentos
Conhecer a pessoa bem o suficiente para ser capaz de antecipar o que ela irá fazer é um elemento importante para que você não perca bons momentos. Observe-a cuidadosamente, e pense sobre a situação retratada: como ela pode agir? Então esteja com sua câmera preparada.
Foto de publikaccion
Como abrir arquivos RAW no Photoshop.
O Potoshop não abre arquivos em formato RAW. Porém existe um plugin chamado Adobe Camera RAW que torna isso “possível”. Você abre um arquivo em RAW, faz as mudanças no arquivo e depois abre a foto no Photoshop.
Não é o Photoshop em si que abre o arquivo e sim o ACR (Adobe Camera RAW).
Como instalar o ACR
Na maioria das vezes o ACR é instalado ao mesmo tempo que você instala o Photoshop. Se você não consegue abrir um RAW no Photoshop é porque por algum motivo esse plugin não foi instalado. Nesse caso a solução é simples: instale manualmente.
Faça o Download nas seguintes páginas: para utilizadores de Windows | para utilizadores de Mac
60 dicas de photoshop em fotografia.
Apesar de não ser grande fã de edições nas minhas fotos mas para quem não dispensa uma edição nas suas fotografias, deixo aqui um link que considero ser bastante útil.
Vale a pena visitarem e aconselho a adicionarem aos favoritos do browser.
- 60 acções úteis para melhorar as suas fotos no Photoshop, por Hongkiat.
Como limpar a sua objectiva.
Para assegurar umas fotos com qualidade e preservar as suas objectivas é preciso de ter algum cuidado com elas. Uma limpeza periódica é um bom princípio para isso.
Material necessário:
- Bomba de ar comprimido
- Caneta de limpeza
- Pano microfibras
- Líquido de limpeza de lentes (de qualidade)
Ler e entender o histograma.
Um histograma pode conter mais informações do que parece. É basicamente uma representação gráfica da distribuição da luz na imagem, e atualmente é o melhor amigo do fotógrafo digital, mas geralmente são ignorados por fotógrafos amadores.
A maioria das câmeras digitais podem gerar instantaneamente um histograma, ajudando muito fotógrafos a fazerem os ajustes necessários e garantirem uma exposição ideal.
Distribuição de tons
Tipicamente, o sensor de uma câmera digital é feito para ver uma escala de 256 tons. O zero representa preto puro, 255 é o branco puro, e entre estes valores temos diversas tonalidade de cinza. O tamanho do gráfico indica o número de pixels que possuem determinado tom.
Veja o seguinte exemplo:
Histograma
Histograma
Aqui temos a mesma foto tirada com duas exposições diferentes. Na primeira, usou-se 1/2000s, e na segunda, 1/200s. O primeiro histograma possui um grande tamanho na área escura, mostrando que a imagem está subexposta, enquanto o segundo possui um grande tamanho na área clara, mostrando que a imagem está sobrexposta, e em ambos os casos há uma grande perda de detalhes.
Existem algumas exceções nas quais não podemos nos orientar pelos histogramas, como em fotos de pôr-do-sol por exemplo, que tipicamente possuem muitas regiões escuras.
O LCD de sua câmera não será capaz de revelar todas as informações sobre a sua foto, e o histograma servirá como um ótimo complemento! Como pudemos ver, este simples gráfico foi capaz de indicar informações muito importantes, e pode ser muito útil para um fotógrafo que saiba analisá-lo.
Cartão cinza.
O cartão cinza (em inglês, gray card) para uso em fotografia é usado em conjunto com um exposímetro para obter imagens fotográficas consistentes.
Um cartão cinza é um objeto plano com uma cor cinza neutra que reflete as cores do espectro luminoso de modo plano.
Escala de cinzas
A escala que vai do branco ao preto é contínua, mas para melhor visualização, foi dividida em degraus, aos quais foram atribuídos algarismos romanos por seus idealizadores (ANSEL ADAMS e ARCHER). Vão de 0 (preto absoluto, sem detalhes) a IX (branco máximo, sem detalhes), compreendendo portando dez zonas. Alguns autores vão além das 10 zonas referidas. Os cartões cinzas servem de referência para determinar o valor de exposição (EV) correto para ajustar as câmeras fotográficas.
Um cartão cinza é um objeto plano com uma cor cinza neutra que reflete as cores do espectro luminoso de modo plano.
O cartão cinza comercializado pela Kodak apresenta uma reflectância de 18%, que representa o Cinza da Zona V da escala de zonas, de Ansel Adams.
Esta técnica de medir a exposição pela luz refletida pelo cartão cinza produz leitura similar à da luz incidente em que a exposição não é influenciada nem pelo reflexo de objetos brilhantes, nem pela forma dos objetos iluminados e nem pelo peso das sombras presentes no cenário.
Um cartão cinza médio neutro além de auxiliar na determinação do valor de exposição correto também serve como referência para o balanço de cores. O cartão cinza neutro permite que a câmeras com recurso de white balance efetuem compensação prévia das cores da iluminação ambiente.
Um cartão cinza neutro também pode ser usado para processar o balanço de cores na fase pós-produção. Para isso, uma foto do cartão cinza neutro é tomada e o software de tratamento de imagens usa os dados dos pixels da área do cartão cinza da foto para corrigir o balanço de branco da imagem como um todo ou de toda uma seção de fotos obtidas nas mesmas condições de iluminação.
O flash fotográfico.
O flash eletrónico é o sistema de iluminação artificial mais evoluído que existe, e cada vez tem se tornado mais sofisticado e mais fácil de usar. É um dispositivo que revolucionou a fotografia, e actualmente é uma arma de trabalho dos fotógrafos profissionais.
O flash é usado na fotografia para produzir uma luz instantânea com uma temperatura de cor por volta dos 5500ºK para ajudar a iluminar a cena. Mas é preciso tomar alguns cuidados, pois um mau uso do flash pode arruinar a foto, fazendo as imagens apresentarem efeitos artificiais.
O flash geralmente é usado nas seguintes situações:
Flash como luz principal: O flash é usado como principal fonte de luz, como em interiores escuros e fotos nocturnas.
Flash de preenchimento: Muito usado em dias ensolarados. Ao fotografar uma pessoa à luz do sol, aparecem sombras no rosto, ou a pessoa fica sub-exposta devido à contra-luz. Neste casos, o flash é usado para iluminar essas áreas sombreadas e para equilibrar a exposição da cena. Veja os exemplos abaixo:
Velocidade de sincronização
Para qualquer flash (externo, portátil, incorporado na câmera…), devemos observar a velocidade de sincronização, que se refere ao intervalo de tempo entre a abertura do obturador e o disparo do flash. É preciso uma velocidade que dispare o flash no momento em que o obturador esteja totalmente aberto para capturar o máximo de luz.
Caso você ajuste uma velocidade mais rápida que a velocidade de sincronização, a foto sairá parcialmente tapada pela cortina do obturador. Então, a velocidade de sincronização é a velocidade máxima na qual podemos operar ao utilizar o flash. Em câmeras SLR, geralmente, esta velocidade é à volta dos 1/200s.
Para contornar esta limitação, alguns flashes possuem uma função chamada “High speed synchro”, que permite ao fotógrafo utilizar velocidades bem acima da velocidade de sincronização padrão, como em fotografias ao sol ou fazendo flash de preenchimento, por exemplo. Nestes casos, o obturador não estará completamente aberto no momento do flash, então este é disparado diversas vezes seguidas (visualmente imperceptível) para que sua luz atinja todo o sensor.
Modo de operação automática
Hoje em dia já não há razão para utilizar o flash em modo manual. A maioria é capaz de operar em modo automático, utilizando uma moderna função chamada TTL (Through the lens), que faz a medição da luz na cena a ser fotografada directamente através da lente. Tanto a câmera como os flashes possuem uma unidade de processamento que calcula o volume de luz disponível, trocando informação entre si.
Então, de acordo com a combinação entre abertura do diafragma / distância ao assunto a ser fotografado / luz ambiente, a intensidade da luz a ser emitida pelo flash é ajustada para expor corretamente a imagem. Este método é bastante eficaz e por este motivo é o mais utilizado pelos fotógrafos, proporcionando muito mais comodidade e agilidade.
Para regular o flash manualmente, deve-se observar a abertura do diafragma e a distância entre o flash e o assunto a ser fotografado. Para isso, utilizamos o número guia, uma unidade de medida de potência normalmente informada pelo fabricante nas especificações. Quanto mais alto o número guia, mais potente será o flash, e maior será a distância percorrida por sua luz.
Para obter qual a abertura a ser utilizada na máquina, é preciso dividir o número guia pela distância do assunto a ser fotografado. Por exemplo, fotografando em ISO 100 com um flash cujo número guia é 30, teremos:
– Distância de 5 metros: 30/5 = 6 ou seja, teríamos que usar uma abertura de F5.6.
O flash rebatido
Fotógrafos profissionais, principalmente os de estúdio, raramente usam o flash directamente para iluminar uma pessoa num retrato, pois o resultado não é natural nem atractivo, deixando o primeiro plano muito claro e o fundo muito escuro. Além disso, provocam os conhecidos “olhos vermelhos” e uma grande sombra atrás da pessoa. No exemplo abaixo, é possível ver claramente a diferença entre a utilização do flash direto e o flash rebatido, uma técnica que veremos logo a seguir:
Para fazer isto, você precisará de um flash externo com cabeça móvel. A técnica baseia-se na reflexão da luz: em ambientes fechados, devemos direccionar a cabeça do flash para o tecto com um ângulo de aproximadamente 45° (dependendo da sua distância à pessoa a ser fotografada), fazendo com que a luz seja reflectida de forma muito mais homogenea. Fique atento ao ângulo utilizado, pois este interfere directamente no local de incidência da luz ao ser reflectida de volta (que pode ser mais atrás ou à frente da pessoa).
Nalguns casos, o tecto pode estar a uma altura muito grande, então você pode também rebater a luz nalguma parede ou numa qualquer outra superfície branca. Deve de ter-se cuidado, pois se o tecto ou a parede forem de alguma outra cor sem ser branco, esta cor será reflectida, causando um efeito indesejado em toda a cena.
O flash rebatido melhora completamente o aspecto das fotos, mas causa perda de certa potência do flash já que ele se espalha. Certifique-se de que a foto ficou bem exposta, caso contrário, use aberturas maiores ou maiores sensibilidades ISO.
Rebatendo o flash em locais externos
Como você viu, esta técnica está limitada a ambientes fechados onde você disponha de alguma superfície branca para rebater a luz. Mas e em ambientes externos, terei que usar o flash directo?… Não!
Nestes casos, você poderia utilizar rebatedores, que são presos directamente à cabeça do flash através de elásticos. Talvez já tenha visto fotógrafos a usar algo assim e perguntou-se para que servia aquilo. Veja este exemplo:
Há diversos tipos à venda pelo mercado, mas também é possível encontrar na internet diversos modelos que você mesmo pode fazer utilizando materiais simples, uns mais eficientes que os outros.
Flash anelar ou circular
Diferente dos modelos convencionais os flahes anelares ou circulares, são especiais para o uso a curtas distâncias. A área emissora de luz é acoplada directamente na lente, tendo um formato circular e um material que porporciona uma luz bem suave e difusa, sendo que em alguns modelos, o grau de difusão é controlável. Seu uso limita-se a uma distância de 1,2 metros, aproximadamente, adequados à fotografia científica ou para macrofotografias.
Funcionamento do View Finder e Life View.
Entenda o funcionamento do View Finder e do Live View das SLR
Este artigo visa esclarecer algumas dúvidas que existem em relação ao funcionamento, das vantagens e desvantagens do View Finder e do Live View utilizados nas DSLR.
O View finder ótico nas SLR
O View Finder ótico das DSLR utiliza de um espelho móvel e um sistema reflexivo fixo, que pode ser um Pentaprisma ou um Pentaespelho, para projetar a imagem que passa pela lente num visor ótico.
Neste sistema o auto-foco da câmera baseia-se na luz que atravessa uma área semi-permeável do espelho móvel e é refletida para um sensor detector de fases. A obturação requer uma operação múltipla, onde o espelho é levantado e a cortina é aberta assim que a remoção do espelho móvel é concluída.
Como benefício este visor apresenta uma imagem bastante clara do que é fotografado, não utiliza uma capacidade muito grande do processador da câmera, produz menor ruído nas imagens, elimina a hipótese de formação de manchas, devido a áreas muito iluminadas, e possibilita o uso do sensor baseado no detector de fases, que é muito mais rápido do que o auto-foco realizado pelas alternativas baseadas na detecção de contrastes. Porém o sistema apresenta blackouts durante o acionamento do obturador (pois o espelho móvel é levantado cortando a imagem que chega ao dispositivo ótico) e não possibilita a visualização prévia do resultado da exposição da foto, requerendo maior conhecimento do processo de exposição por parte do fotógrafo.
O uso do View finder ótico também leva à necessidade de uso da câmera junto ao rosto, que pode ser incómodo para alguns, ou algumas condições onde a imagem precise ser fotografada de vários ângulos onde o uso do View finder seria desconfortável.
O Live View convencional
Uma alternativa criada para o View Finder ótico foi o uso do sensor principal da câmera para captar uma imagem, que é passada ao LCD da câmera possibilitando seu uso para visualizar o que será fotografado, como numa câmera de filmar. Este sistema é o mesmo utilizado para alimentar as imagens do LCD das compactas e também pode ser utilizado para alimentar EVFs (ou views finders eletrónicos), que não são nada além de um LCD que projeta a imagem dentro de uma pequena janela.
Neste sistema o sensor principal da câmera é utilizado para fazer o auto-foco, através de um processo de detecção de contrastes. A obturação pode ser eletrónica ou a cortina pode-se fechar no momento em que se captura a imagem.
Como vantagem em relação ao View Finder ótico esta configuração permite ao fotógrafo fotografar através do LCD, o que pode ser bastante confortável em certas condições, este sistema também permite visualizar uma prévia da exposição, assim como um histograma, antes de executar a foto, o que torna bem mais simples o ajuste da exposição.
Em relação ao Live View com sensor auxiliar (próximo sistema que será tratado) este sistema apresenta uma maior precisão para foco manual, uma vez que permite o uso da resolução do sensor principal, que normalmente é muito maior do que a resolução usada neste outro tipo de sistema de Live View.
Este sistema também abre portas para a implementação do modo vídeo, uma vez que este modo exige o mesmo tipo de princípio de auto-foco utilizado por este sistema. Quando não utiliza a cortina ele também reduz o efeito de blackout.
Como desvantagem este sistema gera mais ruído e risco de manchas (quando não usa a cortina) do que o View Finder ótico e o Live View com sensor auxiliar e acima de tudo apresenta perdas significativas na performance do auto-foco, pois o sistema por contrastes exige mais capacidade de processamento e mais ciclos para detectar o ponto ideal de foco, do que o sistema por detecção de fases. Este sistema de foco também pode ser “enganado” com mais facilidade, tornando-o mais propício a erros.
O Live View com sensor auxiliar (Quick AF Live View)
Este sistema baseia-se em desviar a luz que seria enviada para o View Finder ótico para um sensor secundário, que se encarrega de captar a imagem enviada para o LCD.
Neste caso o auto-foco e a obturação continuam baseadas nos mesmos princípios do View Finder ótico, mas o sensor auxiliar gera alguns benefícios auxiliares.
A qualidade de visualização no LCD não é tão boa quanto no Live View clássico, porém preserva-se o desempenho do auto-foco por detecção de fases e os benefícios da obturação com cortina fechada (que reduzem o ruído e a chance de manchas). Acrescenta-se a estes benefícios alguns dos benefícios do Live View, no que tange a pré-visualizar a imagem com as possíveis simulações de exposição e o histograma, que pode ser capturado pelo sensor secundário.
Este sistema também acaba por incorrer numa perda no View Finder ótico, uma vez que este acaba sendo limitado ao uso do pentaespelho (que normalmente é mais escuro) e precisa de espaço que poderia ser destinado à elaboração de um view finder ótico maior. Em relação ao Live View clássico tem-se como desvantagem o fato de este não servir para a inclusão do modo vídeo e acima de tudo a questão da resolução, que pode ser crucial para a execução do foco manual.
A realidade hoje
A maioria das fabricantes de SLR trabalham com sistemas que combinam o Live View clássico com o View Finder ótico. Porém o Live View baseado num sensor auxiliar surgiu há pouco mais de 4 anos como uma opção para aqueles que exigem AF de alto desempenho, mas são adeptos da fotografia pelo LCD da câmera.
Mais recentemente os fabricantes estão a adoptar a postura de implementar os 3 sistemas em suas câmeras, abrindo uma maior possibilidade de escolha para seus clientes, que podem direcionar o tipo de visualização que pretendem usar, de acordo com os benefícios e desvantagens de cada sistema. De recordar que apesar de os sistemas híbridos com os dois modelos de Live View carregarem as vantagens dos 3 sistemas eles ainda carregam algumas desvantagens do Live View com o sensor auxiliar, como as limitações de espaço e tipo de refletor fixo na construção do View Finder ótico.
Fonte: Autor: Leo Terra. Autor dos cursos da Teia do Conhecimento
Como alinhar fotos inclinadas.
Este artigo que encontrei, está bastante bom para quem quiser depois na pós edição endireitar o horizonte de uma foto.
Um problema bastante comum na composição de fotografias é o desalinhamento do horizonte. Muitas vezes, mesmo com tempo para compor a foto com calma, acabamos dirigindo boa parte da atenção para outros aspectos da imagem e terminamos por esquecer de alinhar o horizonte na composição.
A foto que vou usar de exemplo está com o alinhamento do horizonte bastante bizzaro. Fiz essa foto enquanto dirigia, e escolhi esta imagem como exemplo, para exemplificar que até grandes desalinhamentos podem ser corrigidos de maneira bastante satisfatória.
Vou citar duas opções de ferramentas para corrigir o horizonte, ambas igualmente bem simples de utilizar. Uma delas é o Camera Raw (parte integrante do Photoshop) e a outra é o Photoshop propriamente, neste caso vou utilizar a versão CS5.
Se você ainda não conhece o Camera Raw, te recomendo que prove. Os ajustes de uma maneira geral são muito mais fiéis e precisos. Além disso, o programa é bastante intuitivo, na verdade muito mais que o próprio Photoshop. Originalmente, o Camera Raw foi desenvolvido para imagens no formato RAW – que são arquivos que contém muito mais informação de luz e cor que os JPGs. Porém, você pode utilizar o Camera Raw para processar imagens no formato JPG de uma maneira geral – o que é muito recomendável.
Bom, vamos a edição do alinhamento do horizonte.
Através do Camera Raw
A imagem capturada acima é a tela do meu Adobe Bridge – que é o gerenciador de imagens que utilizo. A partir do Bridge você pode abrir facilmente a imagem que deseja editar – tanto pelo Camera Raw, como pelo Photoshop – é bastante prático. Vou clicar duas vezes na imagem e abrirá o Camera Raw com a imagem a ser editada.
Repare o quanto o horizonte está desalinhado nesta imagem. Isto pelo fato do carro estar em movimento e sobretodo por não poder olhar no visor para fotografar, o resultado foi uma foto com o horizonte bastante desalinhado.
O Camera Raw possui uma ferramenta específica para corrigir o alinhamento do horizonte, chama-se ‘Straighten Tool’ e se encontra no menu acima da imagem. A tecla de atalho é a letra A.
Após selecionar a ‘Straighten Tool’ você deve escolher algo na imagem que possa se basear para traçar uma linha, basta clicar e arrastar. Neste caso escolhi a região do horizonte logo sobre os ‘cerros’ que estão na parte esquerda.
Imediatamente que você ’soltar’ o clique com a linha para alinhamento, o Camera Raw irá alinhar a imagem apresentando como o corte de alinhamento está sendo feito, e teremos esta imagem abaixo:
Observe no menu de ferramentas acima da foto, que agora o Camera Raw selecionou a ferramenta ‘Crop’ ao invés da ferramenta ‘Straighten Tool’. A razão é que na verdade estamos cortando a foto, inclusive este corte pode ser feito através da ferramenta ‘Crop’ – sem usar a ‘Straighten Tool’.
Agora é só clicar em outra ferramenta, como por exemplo a ‘Hand Tool’ (mão) que o corte será aplicado a visualização e teremos isto abaixo:
Para salvar a imagem clique em “Save Image” e o arquivo original se manterá intacto e você terá uma segunda versão da imagem editada.
Caso esta tentativa de alinhamento não te agrade, basta selecionar ‘Crop Tool’ (atalho C) e o corte é apresentado novamente. Para limpar este corte e refazer um novo, clique com botão direito e escolha “Clear Crop” e você terá a visualização da imagem original novamente.
Através do Photoshop CS5
Acesse a ferramenta ‘Ruler Tool’ que faz parte dos subitens do menu de atalho letra I. O procedimento é similar ao do Camera Raw, traçe uma linha em algo que te sirva como guia para a linha do horizonte.
Depois de traçar a linha, clique em ‘Straighten’ no menu acima da foto, e pronto o Photoshop CS5 tratará de alinhar a imagem – e inclusive remover as bordas brancas que nas versões anteriores ficavam.
Pronto, a imagem está com o horizonte alinhado pelo CS5.
Nas versões anteriores ao Photoshop CS5 os caminhos são parecidos. Acesse a ferramenta Ruler Tool, faça o traçado a ser alinhado. Em seguida acesse o menu Image > Rotate Canvas > Arbitrary. O ângulo será apresentado pelo Photoshop e basta clicar em OK. Para finalizar, você precisará fazer o corte manualmente. Esta é basicamente a diferença das versões anteriores com o CS5.
Fonte: Igor Alecsander
Fotografia de paisagem.
Escolha bem o local onde vai fotografar, tente integrar-se o máximo que puder e absorver tudo o que o rodeia para tirar o máximo de partido da cena que vai captar.
Utilize uma lente curta (grande-angular e normal), para ter ter uma profundidade de campo apropriada.
Relembrando que: profundidade de campo é a área entre os pontos mais próximos e os mais distantes da câmera que está dentro do foco aceitável. Na maioria das fotos de paisagem, essa distância deve cobrir a fotografia na totalidade.
Horizonte
As lentes mais usadas para fotografar paisagens são 24mm, 28mm, 35mm e 50mm. A 20mm também é bastante usada, mas é preciso ter cuidado com a linha do horizonte pois, pode fazer parecer que fique curva com esta lente.
O horizonte é sempre uma consideração bastante importante na fotografia de paisagem, por isso tenha em atenção atenção ao nível, se está alinhado ou não, pois um horizonte desalinhado pode estragar uma fotografia, se bem que mais tarde poderá rectificar isso na pós edição.
A luz
A luz natural é a maior aliada na fotografia, mas saber fotografar sob luz solar direta é uma questão de paciência e experiência. Você deve levar em consideração o horário em que a foto será tirada e que efeito essa iluminação terá sobre o resultado final. Comece por observar a incidência dos raios solares ao longo do dia durante a altura do ano em que está: veja como eles se comportam sobre edifícios, árvores, pessoas, etc.
Assim poderá aperceber-se de qual o melhor horário para fotografar com a luz ideal. Bem como, encontrar rápidamente o melhor ângulo para a captação da cena.
Aconselha-se uma leitura mais atenta referente a este assunto num artigo já publicado anteriormente: A luz na fotografia.
Enquadramento
Onde enquadrar a linha do horizonte?
Lembra-se da regra dos terços? Posicione a parte mais importante da foto no terço superior ou ocupe dois terços. Coloque a linha do horizonte um pouco mais abaixo do centro ou mais acima, dependendo do que o atrai mais na paisagem.
Normalmente mais céu dá a sensação de muito espaço, mas verifique que o céu está com uma cor e tonalidade interessante para usar esta técnica.
Veja no enquadramento se não existe nenhum elemento(s) a mais que possa(m) estragar a fotografia. Procure igualmente detalhes que sejam significativos e que possam compor e/ou melhorar cena.
Só resta desejar que este artigo tenha sido útil e que faça umas belas fotos de paisagem.
Filtros fotográficos.
Um filtro fotográfico é um acessório de câmera fotográfica ou de vídeo que possibilita o manejo de cores e/ou a obtenção de efeitos de luz pela sua inserção no caminho óptico da imagem.
Filtro ultravioleta, polaróide e FL-D (fluorescente tipo “luz do dia”) de 62 mm.
Os filtros são de gelatina, plástico, vidro ou cristal, na maioria das vezes montadas em anéis rosqueáveis na objetiva, ou em anéis elásticos para montar no cilindro liso da objetiva. Filtros circulares são mais comuns, mas uma gama de filtros mais ampla, de dezenas de filtros, é disponibilizada em formato quadrado, para serem encaixados em magazines de porta-filtros “universais”.
Grande parte das câmeras fotográficas digitais não dispõem de roscas nas suas objetivas. Para estas câmeras, há porta-filtros especiais que são rosqueados na base da câmera.
Finalidade dos filtros
A finalidade básica dos filtros fotográficos é a de filtrar a luz adequando-a às características do filme ou sensor de imagem.
Algumas poucas situações exigem o emprego do filtro.
- fotografia a altas altitudes (dois mil metros ou mais);
- fotografia à sombra tirada ao meio-dia;
- fotografia à contra-luz com sol baixo;
- presença de reflexos indesejáveis (na superfície da água, de uma vitrine).
A presença de luz mista às vezes é inevitável ou até mesmo necessária. Nesta situação os estúdios fotográficos, ou de cinema e TV fazem uso de filtros de gelatina em folhas para aplicar, não na direção da câmera, mas na direção da fonte de luz, como em janelas e refletores de luz.
Para fotógrafos exigentes, o efeito de um filtro varia de conforme a objetiva utilizada, ou de acordo com o modelo da câmera, no caso de câmeras compactas. Além disso, nem sempre o emprego do filtro leva a resultados sensivelmente melhores, sendo necessário tirar uma foto com filtro e outra sem filtro para notar a diferença.
Tanto para fotógrafos profissionais como para amadores exigentes, o filtro fotográfico é considerado útil para proteção do equipamento, evitando danos à lente da objetiva.
Os filtros na fotografia analógica e digital
As câmeras fotográficas digitais de preço mais elevado podem usar todos os filtros utilizados por câmeras analógicas sem o uso de adaptadores especiais. Já as câmeras digitais compactas (mais econômicas) dispõem de algoritmos que simulam filtros de correção e outros filtros como o sépia e o difusor, e não facilitam o uso de filtros reais (óticos).
As câmeras compactas, com raras exceções, não têm rôsca na objetiva para montagem de filtros rosqueáveis, além disso, as objetivas são retráteis, não admitindo a montagem de filtros elásticos.
Como as câmeras analógicas mais populares, que não dispõem de objetivas receptivas a filtros, as câmeras digitais também podem fazer uso de filtros menos comuns, através da montagem de um magazine para filtros roscado na base da câmera.
Usos de filtros em fotografia
Filtros fotográficos podem ser classificados pelos seus usos:
- Transparente e Ultravioleta
- Correção de Cor
- Subtração de Cor
- Aumento de Contraste
- Infravermelho
- Densidade Neutra
- Polarizador
- Efeitos Especiais, de vários tipos, incluindo:
- Gradientes
- Suavização
- Tonalidade Sépia
Transparente e ultravioleta
Filtros de cristal transparente exclusivamente para proteção de lentes são raros. A maioria dos fotógrafos prefere utilizar filtros UVs e Skylights para esta finalidade por agregarem valor à fotografia, mesmo que estes valores sejam imperceptíveis.
Os filtros UV bloqueiam a passagem de luz ultravioleta invisível para evitar que a ela afete o filme ou sensor de imagem que não são insensíveis a este tipo de radiação. O filtro é usado onde a radiação UV está mais presente, ou seja, em regiões equatoriais, a grandes altitutes.
Os filtros UV são preferidos para efeito de proteção da objetiva da câmera por serem mais neutros em relação às cores que os filtros Skylight.
Já os filtros Skylight têm cor levemente rosada, são filtros UV que se usam para neutralizar os efeitos dos raios UV que tendem a estender o tom azulado sobre áreas de sombra à luz do dia plena. Os filtros Skylight costumam combinar funções de filtro UV, filtro de azul e filtro de difusão.
Correção de cor
Os filtros de conversão (um tipo de filtro de correção de cor) foram muito usados para fotografar com luz natural ou com luz artificial sem trocar o filme por outro mais adequado a esta ou aquela condição de luz específica. Filtros de cor azul (série 80 da Kodak wratten) eram usados para converter luz artificial em luz adequada para filmes do tipo Daylight e, vice-versa, filtros de cor âmbar (série 85) eram usados para tornar a luz natural adequada para filmes tipo Tungsten.
Embora seja comum as câmeras digitais compactas terem pre-sets para diversas condições de luz, somente algumas câmeras de filmar traziam filtros de conversão embutidos na própria câmera.
Pequenas diferenças entre temperaturas de cor de lâmpadas photoflood. A e lâmpadas photoflood B (3400 K e 3200 K respectivamente) são possíveis de ser corrigidas em câmeras digitais de preço mais elevado. Já as câmeras compactas podem tirar proveito dos chamados de filtros de compensação. Ao fotografar utilizando lâmpadas photoflood. A com câmera compacta configurada para Tungsten obtém-se melhor balanço de cores utilizando-se um filtro de cor âmbar 81A. Freqüentemente, a utilização de filtro azul 82A ou 82B resulta em fotos com cores mais equilibradas ao fotografar em ambiente iluminado com lâmpadas incandescentes comuns do que com a câmera simplesmente ajustada para Tungsten.
Tradicionalmente fotógrafos profissionais usavam kits de filtros de correção de cor CMY conhecidos como filtro CC, idênticas àquelas que eram usadas em laboratório fotográfico, para neutralizar dominância de cores diferentes daqueles provocada por lâmpadas incandescentes. Esses filtros continuam sendo úteis para filmagens.
Filtros de contraste
Os filtros de contraste diferem dos filtros de densidade por serem coloridos. Têm graduação que vai de 0 a 5. São usados para controlar o contraste relativo dos tons cinza com base na avaliação dos efeitos do filtro colorido sobre cores asemelhadas, diferentes e antagônicas que compõe o quadro. Assim, os filtros podem ser aplicados para aumentar o contraste ou, ao contrário, para suavizar o contraste de tons.
A manipulação dos contrastes de tons é bastante facilitada por editores gráficos em que se pode simular a aplicação de filtros de contraste para obter bons resultados por tentativa e erro.
Em fotografias que incluem a fonte de iluminação geralmente apresentam excesso de contraste que deve (ou só pode) ser corrigida previamente com filtro adequado.
Infravermelho
O filtro infravermelho é aplicado à objetiva da câmera carregada com filme conhecido como infrared para obter imagens em preto-e-branco geradas exclusivamente pela radiação infravermelha.
Câmeras digitais que usam um sensor de imagem no lugar de um filme também se prestam a este tipo de fotografia. Os sensores de imagens da maioria das câmeras digitais de fotografia e de vídeo são sensíveis a radiações infravermelhas (IR) como os filmes infrared, que são sensíveis ao IR sem serem exclusivamente sensíveis a eles.
Em algumas câmeras digitais, a sensibilidade aos raios UV (ultravioleta) e aos IR (infravermelho) é neutralizada por filtros de bloqueio UV/IR, mas outras câmeras como a Finepix IS-1 da Fujifilm admitem o desbloqueio do filtro UVIR, o que as torna sensíveis aos UV e IR. Estas câmeras são próprias para a fotografia infravermelha com a adição dos tradicionais filtros infrared.
A radiação infravermelha, sendo invisível, não tem cor associada a ela. Nos filmes infrared a cores a radiação infravermelha é tornada visível em cores avermelhadas. Algumas câmeras digitais da Sony manipulam a radiação infravermelha e representam a radiação infravermelha em tons esverdeados, como em alguns dispositivos militares monocromáticos de visão noturna.
Densidade neutra (ND)
O filtro de densidade neutra provoca uma redução uniforme da quantidade de luz que incide sobre o filme ou sensor de imagem. Usa-se geralmente para reduzir o valor de exposição (EV) com o propósito de obter combinações de abertura de diafragma e velocidade de obturação mais adequadas para a foto. Por exemplo, para obter um fundo desfocado que dê melhor destaque aos objetos situados no plano em foco.
Encontram-se comumente filtros ND em densidade 2X, 4X e 8X que baixam o valor de exposição em um, dois ou três pontos.
Polarizador
Os filtros polarizadores ou polaróides são usados geralmente para eliminar brilhos e reflexos indesejáveis como as imagens refletidas nas vidraças das janelas ou nas vitrines que atrapalham a visão do seu interior porém não tira o reflexo de metais. Eventualmente são utilizados também para reforçar a imagem refletida na superfície que é de luz polarizada.
Há dois tipos de filtros polarizadores: o linear e o circular. O filtro polarizador linear é ajustável, dando ao fotógrafo a possibilidade de controlar o grau de efeito desejado. O polaróide circular é fixo, não oferece a possibilidade de controlar o efeito, mas pode ser usado em câmeras de filmar ou na fotografia de ação.
O filtro polaróide circular é assim chamado pela orientação dos cristais e fibras plásticas que se estendem circularmente no plano do filtro e não devem ser confundidos com filtros de polarização circular.
Balanço de cores
Os filtros para balanceamento de cores têm seu campo de aplicação na fotografia digital profissional ou avançada para realizar um ajuste prévio e preciso do balanço do branco em função da iluminação que incide sobre o cenário.
O filtro vai montado na câmera digital que é apontada para a fonte de iluminação para que efetue as compensações necessárias à neutralização das diferenças de cor entre a fonte de iluminação e o branco de referência da câmera.
O filtro difunde a luz incidente para efeito de balanceamento de cores, mas pode também ter uma transmitância controlada para 18% para servir à fixação do valor de exposição (EV) pelo método da luz incidente.
Efeitos especiais
Há um grande número de filtros que produzem efeitos especiais, muitos deles inventado por Jean Coquin.
- O Star que transforma pontos de luz brilhante em estrêlas de várias pontas;
- o Diffractor que difracta os pontos de luz brilhantes da imagem;
- o Multi Image que replica a imagem em paralelo ou em círculos;
- o Speed que cria um efeito de rastro linear na imagem;
- o Cyclone que cria um rastro circular;
- o Radial Zoom que cria rastros radiais;
- o kit de vinhetas diversas;
- o Doble Exposure para montagem de fotos por dupla exposição;
- o Doble Mask, também para fotomontagens;
- o filtro Graduated, o Pastel, o Diffuser, o Sepia, o Center Spot, etc.
A maioria dos efeitos especiais que são obtidos com filtros óticos criativos podem ser obtidos em editores de fotos digitais, seja como um recurso integrado eles, seja na forma de plug-ins que acrescentam um novo recurso ao editor.
Entendendo o balanço de brancos (WB).
O balanço de branco (em inglês “White Balance” ou WB) é o processo de remoção de cores não reais, de modo a tornar brancos os objectos que aparentam ser brancos para os nossos olhos. O correcto balanço de branco deve levar em consideração a “temperatura de cor” de uma fonte de luz, que se refere a quão ‘quente’ ou ‘fria’ é uma fonte de luz. Os nossos olhos (e cérebros) são muito bem treinados para julgar o que é branco em diferentes condições de luz, mas as câmeras digitais normalmente encontram grande dificuldade ao fazê-lo usando o ajuste de branco automático (“Auto White Balance” ou AWB). Um balanço de branco incorrecto pode gerar imagens ‘lavadas’ com azul, laranja e mesmo verde; que são irreais e podem chegar a arruinar fotografias. Para fazer o ajuste de branco na fotografia tradicional é necessário recorrer ao uso de filtros ou filmes para as diferentes condições de luz, mas felizmente isso não é mais necessário na fotografia digital. Compreender como o balanço de brancos digital funciona pode ajudá-lo a evitar a aparição de tons indesejados gerados pelo AWB, e assim melhorar suas fotos numa grande gama de condições de luz.
Ajustando o balanço de brancos
A maioria das câmeras digitais possuem modos automáticos e semi-automáticos que podem ajudá-lo a fazer os ajustes, além do modo manual.
Dentre os ajustes semi-automáticos, alguns modos pré-configurados podem ser selecionados:
- Tungsten (tungstênio): é usado para se fotografar em interiores, especialmente sob lâmpadas incandescentes.
- Fluorescent (fluorescente): este modo compensa a luz fria de lâmpadas fluorescentes.
- Daylight/Sunny (luz do dia): usado em fotos à luz do dia, em exteriores.
- Cloudy (nublado): usado em dias de tempo nublado.
Incorrecto balanço do branco
Correcto balanço do branco
A temperatura da cor
A temperatura da cor é uma característica da luz visível. O raciocínio é que quanto mais aquecemos um objecto, mais cores ele irradia. Assim, de forma mais específica, a temperatura da cor descreve o espectro de luz irradiada de um corpo negro (um objecto que absorve toda a luz incidente sem permitir qualquer reflexo ou passagem de luz) de acordo com a temperatura desse mesmo corpo.
Um corpo negro a diferentes temperaturas, irradia variadas temperaturas de luz branca. Apesar de se chamar luz e poder parecer branca, nem sempre é verdadeiramente luz branca, pois nem sempre contém uma distribuição equilibrada de cores através do espectro visível.
À medida que a temperatura da cor aumenta, a distribuição da cor torna-se mais fria. A lógica é que comprimentos de onda mais curtos contêm luz de maior energia.
| Temperatura da cor | Fonte de luz |
| 1000-2000 K | Luz de velas |
| 2500-3500 K | Luz halogénea |
| 3000-4000 K | Pôr-do-sol ou aurora com céu limpo |
| 4000-5000 K | Lâmpadas fluorescentes |
| 5000-5500 K | Flash |
| 5000-6500 K | Meio-dia com céu limpo |
| 6500-8000 K | Céu nublado moderadamente |
| Mais de 8000 K | Sombra ou céu muito nublado |
O K é símbolo da unidade Kelvin – medida da escala que mede a temperatura da cor. A escala Kelvin não tem valores negativos.
Assim sendo, na prática, como muitas fontes de luz não se assemelham à radiação de corpos negros, o balanço do branco adiciona à temperatura da cor um desvio verde-magenta. Adicionar verde magenta é muitas vezes necessário quando se fotografa à luz do dia comum, podendo quando se trata da luz fluorescente ou de outra luz artificial, requerer grandes ajustes de verde-magenta ao balanço do branco.
Muitas câmaras fotográficas dispõem de uma variedade de balanços de branco pré-programados para que consiga adaptar o balanço do branco ao tipo de iluminação existente. Usualmente os símbolos deste tipo de balanço do branco são:
A função de balanço do branco automático (AWB) existe em qualquer câmara fotográfica digital e usa um algoritmo que tenta “adivinhar” e adequar o balanço do branco às condições de iluminação, usualmente entre os 4000 K e os 7000 K.
O balanço do branco customizável permite tirar uma fotografia a uma referência neutra (usualmente um cartão cinza, branco e preto – como visto na primeira imagem) e assim determinar o balanço do branco certo para as restantes fotografias. Se não tiver um cartão destes, tente sempre ver se existe uma referência branca no enquadramento para que a câmara use como referência para o branco. Convém ter em conta que se mudarem as condições de iluminação deverá definir uma nova referência para balanço do branco.
Os restantes modos são usualmente os pré-definidos nas câmaras fotográficas digitais, podendo mudar rapidamente de acordo com a variação da iluminação. Estes modos podem ser usados criativamente. Por exemplo, o modo sombra pode ser utilizado dentro de casa, dependendo da iluminação ou do grau de nebulosidade existente. Se a fotografia estiver muito azulado no monitor da câmara deverá aumentar a temperatura da cor selecionando um modo que permita obter mais temperatura de cor. Algumas câmaras fotográficas também permitem definir o valor Kelvin. Se assim for, poderá também ajustar manualmente o valor de forma a obter mais ou menos temperatura de cor.
O que são f/stops?
Os f/stop.
A abertura é usualmente medida em números “f”.
Como a pupila do olho que automaticamente se ajusta a diferentes níveis de luz, a lente da câmera possui um diafragma (íris) que controla a quantidade de luz que passa através da lente.
Todos sabemos que em condições de pouca iluminação a íris (pupila) de nossos olhos dilata-se para permitir uma maior entrada de luz, e que sob luz forte a pupila contrai-se a fim de evitar a sobrecarga de luz no fundo dos olhos.
As lentes das câmeras funcionam da mesma forma. A quantidade de luz que atravessa a lente deve ser cuidadosamente controlada com a ajuda do diafragma (correspondente à irís do olho). Demasiada luz, faz com que a imagem fique sobrexposta (estourada) e lavada, pouca luz resulta numa imagem com pouco contraste e na perda de detalhe nas áreas mais escuras da imagem.
Embora o diagragma possa ser ajustado desde uma abertura mínima até a abertura total, certos pontos específicos na escala de números são marcados de acordo com o grau de transmissão de luz. Estes pontos são chamados f-stops .
Uma objetiva tem um conjunto de “f-stop” que representam o dobro na quantidade de luz que passa através da abertura. Uma “valor-f” menor representa uma abertura maior que permite que mais luz alcance e vice versa, “um valor f” maior representa uma abertura menor o que significa menor entrada de luz.
A escala de f-stops é uma simplificação que facilita o trabalho do fotógrafo. Foi construída de forma a que cada f-stop (cada paragem no anel de uma lente) corresponda a uma situação em que o diafragma deixe entrar o dobro (ou metade) da luz do f-stop anterior.
A escala normal é:
f1 – f1.4 – f2.0 – f2.8 – f4 – f5.6 – f8 – f11 – f16 – f22 – f32
1.4, 2.0, 2.8, 4.0, 5.6, 8, 11, 16, 22
<=== mais luz menos luz ==>
A figura em cima compara uma série de f- stops
Quando se sobe um ponto na escala de f-stops, a quantidade de luz é duplicada, quando se desce um ponto na escala divide-se pela metade a luz que passa pela lente.
F-stops e a Profundidade de Campo
Quanto maior o número do f-stop (menor a abertura do diafragma) maior a profundidade de campo. Portanto em relação inversa, menor número de f-stop (maior abertura do diafragma) menor profundidade de campo.
Exemplo prático:
Artigos relacionados: Abertura – Profundidade de campo- DOF
Regra dos terços.
O que é a regra dos terços?
É um exercício visual onde o fotógrafo olha pelo visor ou pelo LCD da câmera para o cenário que quer fotografar e divide-o mentalmente em três terços verticais e horizontais, para obter um total de nove quadrados. Graças a esta grelha virtual, as quatro esquinas do quadrado central revelam quatro pontos para facilitar a identificação dos pontos de atenção da fotografia.
São nestas zonas que deve posicionar os elementos principais que vai fotografar. Adicionalmente as quatro linhas que formam esta grelha (2 horizontais e 2 verticais) servirão de local de repouso para aquilo que quer focar, e é sobre as próprias linhas ou então nos pontos onde cruzam que deve compor e enquadrar o restante cenário a fotografar.
Não esqueça que não são apenas os pontos que contam para esta regra de ouro, e sim igualmente as quatro linhas que você deve utilizar para compor grandes fotos.
Se colocar o ponto de interesse do motivo a fotografar nesses pontos e o restante ao longo das linhas as suas fotografias ficarão mais equilibradas. Alguns estudos mostram que quando se olha para imagens, normalmente o nosso olhar dirige-se imediatamente para um desses quatro pontos com muito mais frequência do que para o centro da imagem. Sendo então extremamente recomendado que se utilize esta regra para deixar as suas imagens o mais natural possível.
Praticar, praticar e… praticar.
Não há nada como praticar, praticar e praticar para chegar ao objectivo.
No caso da regra dos terços importa que veja e analise muitas fotografias que foram tiradas segundo este princípio, para depois passar à prática. Tão importante como a visualização da grelha em si, é saber em primeiro lugar quais os pontos de interesse do cenário que pretende fotografar, e em segundo lugar conseguir posicioná-los sobre a grelha de forma intencional.
“As regras foram feitas para serem quebradas”…
Como tudo na vida e como é costume dizer-se “as regras foram feitas para serem quebradas”, e a regra dos terços como não poderia deixar não é excepção. Uma vez que a fotografia é uma forma de arte e de expressão criativa, depois de aperfeiçoar a técnica, tente fugir à regra dos terços e experimentar outras composições.
Exemplos práticos da regra dos terços:
Ricardo Vilela Photography 